Bildquelle：https://www.orartswatch.org/not-how-you-play-but-how-you-listen-the-jerusalem-quartets-complete-shostakovich-cycle-for-friends-of-chamber-music/
Der Beitrag eines ArtsWatch-Autors über das Shostakovich-Festival, das von den Friends of Chamber Music vom 15. bis 21. März an der Portland State University im Lincoln Hall präsentiert wurde, bietet einen umfassenden Überblick über die gesamte Erfahrung, statt nur ein einzelnes Konzert oder ein einziges Quartett zu bewerten.
Das Jerusalem Quartet setzte sich zusammen aus:
Alexander Pavlovsky, Violine
Sergei Bresler, Violine
Ori Kam, Viola
Kyril Zlotnikov, Cello
Einige von uns, die dem Festival mit Hingabe folgten, hatten bereits zuvor das Jerusalem Quartet gehört, als sie alle 15 Schostakowitsch-Quartette – allerdings in einer anderen Reihenfolge – bei ihrem Besuch in Portland 2013 aufführten.
Wir waren damals von ihrer Darbietung beeindruckt, doch dieses Mal tauschten wir Blicke des Staunens während der ersten Pause des Eröffnungskonzerts aus.
Es war, als ob die Tiefe und Kunstfertigkeit der Aufführung noch größer war als zuvor.
Die Virtuosität des ersten Geigers war atemberaubend, ebenso der Reichtum und die Flexibilität der Viola, der volltönende Klang des Cellos und das makellose Zusammenspiel der gesamten Gruppe.
Die dynamische Bandbreite reichte von den fortissimo Schreien des Komponisten bis zu dem Punkt, an dem wir nicht sicher waren, ob wir es wirklich hörten.
Das Jerusalem Quartet legt Wert auf einen „warmen, vollen, menschlichen Klang und eine egalitäre Balance zwischen hohen und tiefen Stimmen“ (laut Künstlerwebsite).
All dies bewahrheitete sich in ihren Aufführungen und erschien besonders passend für ihre Interpretation von Schostakowitsch, dessen Menschlichkeit existenziell auf die Probe gestellt wurde, während er kämpfte, um seine Stimme angesichts brutaler Repression zu bewahren.
Gegründet 1993 und mit dem Debüt 1995, ist das Jerusalem Quartet nun vollständig in sein 30. Jahr eingetreten.
Drei der vier Mitglieder wurden in der ehemaligen Sowjetunion geboren: die Gründungsmitglieder, die Geiger Pavlovsky und Bresler in der Ukraine, und der Cellist Zlotnikov in Weißrussland.
Sie emigrierten um 1991 nach Israel, und die drei spielen seit ihrer Teenagerzeit zusammen.
Die Bratschistin Ori Kam, die 2011 zum Quartett stieß, wurde in Kalifornien von israelischen Eltern geboren, wuchs jedoch in Israel auf.
Alle vier Musiker hatten die Gelegenheit, berühmte Künstler wie Isaac Stern, Itzhak Perlman, Daniel Barenboim und Menahem Presler durch Meisterklassen oder Kooperationen kennenzulernen.
Sie alle haben beeindruckende Werdegänge als Solisten und Kooperationspartner mit anderen Künstlern durchlaufen und spielen allesamt legendäre Instrumente: Pavlovsky spielt eine 1696er Stradivari, Bresler eine 1770er Storing und Zlotnikov ein 1610 Amati-Cello aus Cremona.
Kams Viola von Hiroshi Iizuka ist zeitgenössisch, jedoch legendär auf ihre eigene Art.
Die Podiumsdiskussion am Montag, dem 19. März, offenbarte einige interessante Einblicke.
Der Bratschist Kam war wegen einer kurzen Geschäftsreise abwesend, aber die anderen drei beantworteten Fragen von John Pitman von All Classical und aus dem Publikum.
Ihr Englisch schien viel fließender als während der Podiumsdiskussion vor 12 Jahren.
Geiger Pavlovsky sprach über die physischen und emotionalen Anforderungen sowie die vielen Proben, die für diese Serie von Quartetten notwendig sind.
Als jemand ihren Fortschritt in den letzten 12 Jahren kommentierte, verglich er das Streichquartett mit einem guten Wein, der Zeit benötigt, um sich vollständig zu entwickeln und umso komplexer im Geschmack zu werden.
Als er nach ihrer Meinung zu Portland gefragt wurde, äußerte Cellist Zlotnikov seine Wertschätzung für „so viel Natur“, da sie den Großteil ihres Lebens in geschlossenen Räumen verbringen.
Obwohl wir Schostakowitsch nicht unbedingt als „klassischen Komponisten“ betrachten würden, waren die Musiker sich einig, dass er als der letzte klassische Komponist angesehen werden könnte, beginnend mit Papa Haydn, vermutlich wegen der vielen quartettartigen Bezüge zu klassischer Struktur und Form.
Was die individuellen Quartette betrifft, so hat das Publikum immer das No. 8 bevorzugt, aufgrund der Saturierung von Schostakowitschs persönlichem Thema, das durch die DSCH-Signatur repräsentiert wird.
Jedoch sprach der zweite Geiger Bresler für Quartett No. 9 und bezeichnete ihn als „sehr besonders“, während er auch No. 6 als das friedlichste bezeichnete.
Sie waren sich alle einig, dass No. 13 das „schwierigste zuzufügen“ war.
Neben der Uniformität ihrer schwarzen Smokingjacken, die sie über schwarzen T-Shirts, schwarzen Hosen und schwarzen Schuhen trugen (Cellist und Bratschist in Lackleder, Geiger in konventionellem Leder), gab es gewisse Unterschiede zwischen den Musikern.
Von Anfang an schien es mehr Kommunikation zwischen dem Cellisten und den beiden Geigern zu geben als zwischen dem Bratschisten, der in etwas größerem Abstand von den anderen saß.
Während der Cellist oft zu den Geigern hinüberblickte, schaute die Bratschistin Kam konzentriert auf ihre Partitur, trotz des makellosen Zusammenspiels.
Jeder Einsatz und jede Pause schien perfekt zu sein.
Als ein Mitglied des Publikums das Thema Kommunikation während der Podiumsdiskussion erwähnte, antwortete Cellist Zlotnikov schnell: „Das Wichtigste bei Streichquartetten ist nicht, wie man spielt, sondern wie man zuhört“, und dass sie einander aufmerksam zuhören.
Im Laufe der Woche bewegte sich der Bratschist etwas weiter von den anderen weg, und selbst während der Vorhänge am Ende schien er etwas Abstand zu den anderen drei zu halten.
Das Publikum der Shostakovich-Konzerte war sichtbar anders als das gewöhnliche Publikum für Kammermusik – etwas jünger, noch informeller gekleidet und ernsthaft.
Sie schätzten zweifellos sowohl Schostakowitsch als auch die Qualität der Interpretation des Jerusalem Quartets.
Es gab kein Husten, sie wussten, wann sie applaudieren sollten, und taten dies enthusiastisch, manchmal wild.
Nur bei einem Konzert gaben sie vor der Pause keinen stehenden Applaus (ungewöhnlich sogar für Portland), das war zum einen nach No. 11.
Vielleicht waren die Leute einfach müde zu diesem Zeitpunkt.
Für die meisten war das Haus etwas weniger gefüllt als bei den üblichen Kammermusikkonzerten, aber beim Konzert mit den Quartetten Nummer 7, 8 und 9 war es mindestens zu drei Vierteln gefüllt.
Die Musiker kommunizierten ihren Respekt sowohl für die Musik als auch für das Publikum durch ihre Körpersprache.
Am Ende eines Quartetts hielten sie oft ihre Positionen, um dem Publikum Zeit zu geben, die Stille zu schätzen.
Manchmal hielten sie ihre Bögen lange Zeit in der Luft, oder andere Male blieben sie geduckt über ihren Instrumenten, lange nachdem die letzten Töne verklungen waren.
Nach dem letzten Konzert hielt der Applaus für viele Vorhänge an, und irgendwann hob der erste Geiger Pavlovsky die Partitur hoch und zeigte mit der Spitze seines Bogens darauf, um sicherzustellen, dass wir sowohl dem Komponisten als auch den Musikern applaudierten.
Warum sollte man eine Woche aus seinem geschäftigen Leben opfern, um sich der Kammermusik zu widmen?
Und nicht Mozart oder Beethoven oder eine schöne Mischung aus beliebten Komponisten, sondern Schostakowitsch, ein nervöser Komponist des 20. Jahrhunderts, der Dissonanz liebte.
Häufig in Konflikt mit dem sowjetischen Regime, hatte er solche Angst, nachts von den Behörden abgeholt zu werden, dass er einen Koffer gepackt und bereit an der Tür stehen hatte.
Er wollte den Trauma für seine Kinder minimieren.
Es ist nicht überraschend, dass seine Angst und Unsicherheit in seine Musik eingeflossen sind, vermischt mit großer Kunstfertigkeit und Schönheit.
Einer von Schostakowitschs besten Ausdrücken war seine Kammermusik, von der viel unter dem Radar flog, besonders vor Stalins Tod 1953, da Quartette nicht annähernd so öffentlich waren wie seine Sinfonien und Konzerte.
Einige, wie Quartett No. 4, behielt er über Jahre für sich, bevor es je aufgeführt wurde.
Obwohl 15 Streichquartette eine eindrucksvolle Zahl sind, ist jedes auf verschiedene Weise einzigartig.
Der Komponist sagte einem Freund, dass er wirklich 24 komponieren wollte, eines für jeden Schlüssel.
Die Welt ist ärmer durch die Abwesenheit der anderen neun.
Aber warum genau sollten wir uns für eine totale Immersion entscheiden?
Einer der Gründe ist, dass wir Schostakowitschs Kammermusik fast nie im Radio hören.
Es wird nicht oft in Live-Konzerten präsentiert, und selbst dann wäre es höchstwahrscheinlich No. 8, das beliebteste seiner Quartette.
(Es ist unwahrscheinlich, dass es No. 1 ist, das untypischerweise sonnig ist und daher als atypisch gilt; und sehr unwahrscheinlich, dass es No. 15 ist, das vom Anfang bis zum Ende tönend ist.)
Einige von uns könnten fast als Schostakowitsch-Fans oder zumindest Enthusiasten angesehen werden.
Ich würde das gesamte Erlebnis im nächsten Jahr oder so gerne wiederholen.
Vielleicht liegt es daran, dass Schostakowitschs Kammermusik aus so vielen gegensätzlichen Charakteristika besteht, wie der Gegenüberstellung von Melodie und Abstraktion oder klassischer Struktur und idiosynkratischen Passagen.
Manchmal ist die Musik geheimnisvoll und manchmal sehr direkt.
Aber sie ist immer interessant.
Diese Quartette zeigen auch eine riesige emotionale Bandbreite von schreiender Härte bis zu gedämpfter Zärtlichkeit.
Dissonanz führt zu Auflösung, dann wieder zu Dissonanz, und dann kann das Thema in eine völlig andere Richtung wandern.
Schostakowitsch unterhält uns mit Überraschungen, Sarkasmus (insbesondere in seinen Scherzos) und unverminderter Schönheit.
Manchmal, wenn es scheint, dass ein Satz unbedingt mit einer gewissen Auflösung enden wird, zerfällt er einfach in Luft.
Insbesondere in den früheren Quartetten hält Schostakowitsch an einer klassischen Struktur fest, trotz seiner ungewöhnlichen Modulationen.
Aber im Gegensatz zu Haydn, wo die erste Violine tendenziell das Thema trägt, zeigen alle vier Instrumente in diesen Quartetten ihre einzigartigen Stimmen – manchmal in Solos oder Duetten, wie in No. 7, wo ein Großteil dieses kurzen Quartetts aus Geigen-Themen und einem langen Monolog des Cellos besteht.
In Quartett No. 12 wagt sich der Komponist in den Serialismus und öffnet mit dem Cello, das eine zwölftonige Melodie spielt, aber es löst sich schließlich in die Tonalität auf.
Durch diese Quartette hindurch verweben sich folkloristische Musikmotive, insbesondere russische und jüdische Themen, die in den Quartetten No. 2 und No. 4 besonders sichtbar sind, aber in mehreren von ihnen evident sind, und er führt auch Themen aus seinen Sinfonien und anderen Werken ein, wie seine Oper Lady Macbeth von Mzensk.
In mehreren Quartetten gibt es Anklänge an Bach (von dem gesagt wird, dass er sein Lieblingskomponist war), Mahler, Bartók, Wagner und sogar Rossini!
Quartettproben
Quartett No. 2 in A-Dur, Op. 68
Länger als No. 1 und klassisch in der Sonatenform, ist dieses Quartett besonders ansprechend für seine opernhaften Qualitäten.
Seine erste Bewegung, bezeichnet als „Ouvertüre“, beginnt mit einer betonten Aussage, gefolgt von einer absteigenden Quinte, die während der Bewegung wiederholt wird.
In der zweiten, gut benannten „Recitativ und Romanze“ singt die erste Violine sehr ausdrucksvoll, und die anderen Mitglieder stimmen in den Chor ein.
Offensichtlich bezeichnete das Wort „Romanze“ das, was die Russen für „Kunstlied“ verwendeten.
Die dritte Bewegung, „Waltz“, ist nicht wirklich zum Tanzen gedacht, da sie schnell, dunkel und nachdenklich ist.
Im Finale, „Thema und Variationen“, hat das Thema sowohl russische als auch jüdische Eigenschaften.
Die Variationen steigern die Aufregung, indem sie das Tempo progressiv erhöhen, bis das ursprüngliche Thema in einer robusten Schlussfolgerung zurückkehrt.
Quartett No. 4 in D-Dur, Op. 83
Schostakowitsch komponierte dieses Quartett 1949, behielt es jedoch bis zu seiner Uraufführung 1953 für sich, dem Jahr des Todes Stalins.
Seine symphonische Musik war zeitweise verboten, was Stalin aufgehoben hatte, damit der Komponist einen kurzzeitigen (obligatorischen) Besuch in die USA machen konnte.
Erneut im klassischen Rahmen sind die Bewegungen als konventionell bezeichnete Tempi ausgezeichnet, die meisten von ihnen sind Allegretto.
Die zweite Bewegung, markiert als Andantino, ist eine eindringliche, fast herzzerreißende Romanze, eine der schönsten Melodien von ihm.
Diese wird von einem kurzen Scherzo, geheimnisvoll und gedämpft, gefolgt, mit Passagen, die seine Vorliebe für den anapästischen Rhythmus offenbaren (denken Sie an „William Tell-Ouvertüre“).
Der finale Satz ist ein intensiver, schwerfüßiger Tanz mit jüdischen Themen, aber anstelle eines lebhaften Finales gibt es eine Rückkehr zur nebligen Aura, die von der Romanze des Andantino erzeugt wurde.
Quartett No. 8 in C-Moll, Op. 110
Mit Ausnahme der vierten Bewegung könnte das gesamte Quartett als ein erweitertes Thema mit Variationen betrachtet werden.
Schostakowitschs beliebtestes Quartett, es ist das am häufigsten aufgenommene, und es war das Konzert mit dem größten Publikum im FOCM-Festival.
Dieses Quartett wurde während eines Besuchs Schostakowitschs in der Stadt Dresden im Jahr 1960 komponiert.
Er hatte vorgehabt, an einem Filmscore zu arbeiten, war jedoch so bewegt von den Zerstörungen, die er um sich herum sah, dass er stattdessen dieses Quartett komponierte.
Vielleicht wurde er an die Belagerung seiner eigenen Stadt, Leningrad, erinnert, die stattfand, während er sicher in einer Stadt in Zentralasien im Exil lebte.
Die offizielle Widmung des Quartetts gilt den Opfern von Krieg und Faschismus.
Die allgegenwärtige Präsenz seines Siegels im Werk führte jedoch zu der Theorie, dass er es als Widmung an sich selbst, ein Opfer eines anderen (sowjetischen) Faschismus, verstanden haben könnte.
Einige glaubten sogar, dass er es als sein eigenes Denkmal gedacht hatte, da er darüber scherzte, dass das bei einem Freund.
Die fünf Bewegungen werden „attacca“ gespielt, also ohne Pause, und sind durch ein gemeinsames Thema miteinander verbunden.
Die Initialen des Komponisten DSCH erscheinen in den ersten Noten des eröffnenden Largo.
D für Dmitri; S in der deutschen musikalischen Notation ist „Es“ oder E-Flat; dann C; dann H, was in der deutschen Notation B natürlich ist.
Im gesamten Satz wird das Thema in seiner Originalform wiederholt und in verschiedenen Iterationen transponiert.
In der zweiten Bewegung kommt es in verschiedenen Formen in einem wilden Tanz mit jüdischer Intonation vor.
In der dritten Bewegung, markiert als Allegretto, verwandelt sich die DSCH-Signatur in einen ironischen Walzer (oder eine Parodie eines Walzers).
Dieses Zeichen erscheint nur gegen Ende der vierten Bewegung, in der, anstelle seiner Filmmusik, Schostakowitsch die Geräusche realen Krieges, wie er ihn sich vorstellte – Flugzeuge und Kanonen – allzu realistisch darstellt, sirenenartige Geigen und stridenten Celloklänge.
Er schließt auch Verweise auf ein russisches Bestattungsanthem und, als würde er trauern, Themen aus seinen anderen Werken, einschließlich einer Arie von Lady Macbeth, ein.
Schließlich dominiert das DSCH-Thema in der fünften Bewegung erneut, die dieses Mal in die Stille ausklingt.
Quartett No. 15 in Es-Moll, Op. 144
Obwohl es nicht die letzte Kammermusik war, die Schostakowitsch komponierte, war es sein letztes Quartett, das weniger als ein Jahr vor seinem Tod uraufgeführt wurde.
Im Notenblatt ist keine Widmung vermerkt, was zu Spekulationen führt, dass es möglicherweise für sein eigenes Requiem gedacht war.
Für die Aufführung im Lincoln Hall senkten die Musiker das Bühnenlicht und der Bratschist rückte etwas näher zu den anderen Mitgliedern des Quartetts.
Durch die Beleuchtung spielten gespenstische Schatten auf die Leinwand hinter ihnen.
Vorahnungen des Todes durchdringen dieses Quartett.
Trotz des Fehlens von Dramatik innerhalb der Musik selbst gibt es keine Gelegenheit für Langeweile oder auch nur für das Abdriften wegen der ständigen Erinnerung an die Nähe des Todes.
Nach dem letzten erklingen der letzten Note schwebte die Stille wie ein Tableau, das an ihrer Bedeutung festhielt, und es schien eine volle Minute zu dauern.
Als sie schließlich aufstanden, explodierte das Publikum in Beifall, jubelte und rief sie immer wieder zurück.